10 klassische Rockalben, die durch schlechte Produktion ruiniert werden

Eine gute Produktion ist die halbe Miete für die Veröffentlichung eines klassischen Albums. Im Laufe der Rockgeschichte wurden einige der berühmtesten Songs der Geschichte für ihre großartige Produktion gelobt, von der makellosen Mischung bis hin zu Klängen, die sich anfühlen, als kämen sie von einem anderen Planeten. Andererseits ist für Künstler wie Metallica und The Velvet Underground eine großartige Produktion meist nur ein Vorschlag, wenn sie einen zukünftigen Klassiker machen.

Obwohl die Songs auf jeder klassischen Platte den Test der Zeit bestehen mögen, hätte die Produktion mehr als nur ein paar Verbesserungen vertragen können, von mangelhafter Abmischung bis hin zu schrecklicher Ausbalancierung der Pegel. Obwohl ihnen einige der Besten der Branche zur Verfügung stehen, neigen einige der berühmtesten Werke der besten Rockmusik zu einer Produktion, die so klingt, als wären die Instrumente unter einem gedämpften Kissen oder auf dem Grund des Ozeans aufgenommen worden.

Es gibt jedoch mehr als eine Möglichkeit, eine schlechte Produktion zu erreichen, und manchmal haben die besten Alben aller Zeiten einige fragwürdige Produktionsentscheidungen aus der entgegengesetzten Richtung. Auch wenn die Songs noch vorhanden sind, könnte sich die Überproduktion der Songs zu ihrem Nachteil auswirken, indem sie dazu führt, dass der Biss der Gitarren zu sauber klingt oder der Sänger eher wie ein Roboter als wie ein Mensch klingt.

Während die besten Songs der meisten Künstler durch eine schreckliche Produktion glänzen können, stand diesen Klassikern ein harter Kampf bevor, als sie das Trommelfell ihrer Zuhörer heftig attackierten. Trotz des hochwertigen Materials im Mix sollten einige Rockfans beim Eintauchen in diese Platten möglicherweise mit Vorsicht vorgehen.

Mit Beginn der 80er Jahre musste sich jede Facette des Metals schlagartig verändern. Obwohl Tausende von Künstlern vom Erfolg von MTV profitierten, gab es ebenso viele alteingesessene Künstler, die sich darum bemühten, herauszufinden, wie die nächste Phase ihrer Karriere aussehen würde so sein wie. Während Ozzy Osbourne die nächste Metal-Generation blitzschnell eingeleitet hat, erlebte Judas Priest bei Turbo eine etwas schwierige Eingewöhnungsphase.

Ursprünglich als Doppelalbum gedacht, erliegt Turbo einem der kitschigsten Aufnahmejobs der Mitte der 80er Jahre, mit Gitarren, die näher an dem sind, was Synthesizer damals machten, so dass Glenn Tiptons typische Soli überraschend gedämpft klingen. Selbst mit Rob Halfords beeindruckendem Gesang bei Songs wie „Turbo Lover“ neigen die meisten Titel dazu, so zu klingen, als ob sie aus einer billigen Nachahmung einer Nintendo-Konsole dröhnten, wobei Judas Priest als metallgekleidete Badasses fungierten.

Trotz der durchweg anständigen Songs bleibt „Turbo“ heute eher ein Relikt seiner Zeit als irgendetwas Besonderes, wobei die schlechten sich stark korrigieren, bevor sie in den 90ern auf „Painkiller“ noch stärker zurückkommen. Die neue Welle des britischen Heavy Metal hat sich vielleicht in das Musikvideoformat vertieft, aber Turbo ist die Art von Kitsch, der nur in den ersten 30 Sekunden cool bleibt, wenn er abgespielt wird.

Erfolg kann manchmal genauso beunruhigend sein wie Misserfolg. Obwohl Aerosmith als Hauptdarsteller des Old-School-Rock'n'Roll gefeiert wurde, landeten sie erst in den 90er Jahren ihren ersten Nummer-eins-Hit, wobei „I Don't Want to Miss a Thing“ zu einem festen Bestandteil wurde das Michael-Bay-Epos Armageddon. Als sie oben angekommen waren, waren „The Bad Boys From Boston“ der Meinung, dass der nächste logische Schritt darin bestand, das Gleiche noch einmal zu machen … nur noch poppiger.

Als ob die sirupartigen Streicher ihres großen Hits nicht schon genug auf die späten 90er hinweisen würden, läuteten Just Push Play das Jahr 2000 auf die stereotypischste Art und Weise ein, die nur möglich war, wobei alles durch die moderne Linse des Pop gespeist wurde. Obwohl Joe Perry das ganze Album über mit ein paar leckeren Licks gespickt ist, werden diese durch die langweilige Produktion, die so klingt, als ob Steven Tyler sich unbedingt in das männliche Äquivalent von Christina Aguilera verwandeln möchte, fast zunichte gemacht.

Abgesehen von der Hitsingle „Jaded“ hat der Rest des Albums eher den Eindruck, als würden sie versuchen, den Erfolg von „Miss a Thing“ ohne einen großen Film zu wiederholen, was zu einer Menge Soundtrack-Futter führt, das es nie gab wird im Hintergrund eines jeden Actionfilms aus den 2000er-Jahren laufen. Der größte Teil des Erbes von Aerosmith war bereits intakt, aber ihre Einführung in das neue Jahrtausend ließ einige Hardrock-Fans fragen, wo alles schief gelaufen ist.

Keine Punkrock-Platte ist unbedingt für ihre erstklassigen Produktionswerte bekannt. Schon beim flüchtigen Hören von Alben von Black Flag oder den Sex Pistols wird dem Publikum klar, dass keiner dieser Musiker darauf aus war, der nächste Pavarotti zu werden. Auch wenn die Ramones damals mit ihrem Debüt das gesamte Genre in Schwung gebracht haben, bedeutete das auch, dass sie auch einige der negativen Eigenschaften des Genres geerbt haben.

Während die meisten ihrer ersten Songs den Lackmustest dafür darstellten, was Punkrock sein würde, enthält es auch einige der gebrochenesten Produktionen aller Zeiten, bei denen jedes Instrument fest auf einen Kanal konzentriert ist, was den modernen Hörer desorientiert. Auch wenn diese Taktik in der Vinyl-Ära gut funktioniert hat, wird das gesamte Audioerlebnis ruiniert, wenn jemand einen Ohrhörer entfernt, da der Bass und die Gitarren auf eine Seite verschoben werden und der Gesang ganz in die Mitte rückt.

Andererseits könnten die Songs hinter der Produktion zu den großartigsten Punkrock-Musikstücken gehören, die je gemacht wurden, und so makabren Themen wie dem Prügeln auf Gören und dem intensiven Verlangen, etwas Kleber zu schnüffeln, eine unbeschwertere Note verleihen. Wenn Bands über ein Punkrock-Budget verfügen, müssen sie mit allem arbeiten, was sie haben, aber selbst einige dieser Details hätten etwas besser beschönigt werden können.

Es fühlt sich blasphemisch an, die Worte „schlechte Produktion“ und „Steely Dan“ in einem Satz zu fassen. Vom ersten Moment an, als die Gruppe gegründet wurde, stellten sich Walter Becker und Donald Fagen die Gruppe stets als Studiokreation vor und arbeiteten stets mit den Besten der Branche zusammen, um auf jedem Album reine Klangvignetten zu schaffen. Das ist im Wesentlichen das, was auf Katy Lied verfügbar ist … aber der Mischvorgang machte die Sache etwas komplizierter.

Obwohl auf dieser Platte einige Klassiker von Steely Dan zu finden sind, wurde sie auch zu einer Zeit aufgenommen, als namhafte Künstler bestimmte Technologien zur Rauschunterdrückung verwendeten. Da bekannt war, dass sie jeder Schallplatte die optimale Qualität verleiht, entschieden sich Becker und Fagen zum frühestmöglichen Zeitpunkt für die neue Technologie – nur damit sie den ursprünglichen Mix der Schallplatte ruinierte.

Selbst nach einigen Nachbesserungen und diversen Remixen im Laufe der Jahre weigerten sich beide Mitglieder von The Dan, sich den Originalmix des Albums anzuhören, weil er dem, was sie in ihren Köpfen hörten, so unterlegen war. Andererseits hätten ihre Fehler hier sie leicht auf die späteren Triumphe auf der ganzen Linie vorbereiten können. „Katy Lied“ ist vielleicht nicht das reibungsloseste Hörerlebnis in ihrem Katalog, aber es lohnt sich, sich später etwas wie „Aja“ ​​anzuhören.

Seit John Lennon die Beatles verlassen hat, hat er so etwas wie einen Albatros um den Hals. Nachdem Lennon sich mit dem Ausstieg aus einer der größten Gruppen der Welt auseinandersetzen musste, musste er einen Urheberrechtsanspruch zurückzahlen, den er für „Come Together“ hatte, und versprach Chuck Berrys Nachlass, eine Handvoll Cover aufzunehmen, wobei der Erlös ihm zugute kommen würde Abzocke von „You Can't Catch Me“. Theoretisch hätte Rock & Roll ein lustiger Ausflug sein sollen, aber Lennons „verlorenes Wochenende“ hatte andere Pläne.

Lennon wurde während seiner Zeit in der Wildnis Mitte der 70er Jahre aufgenommen und war dafür bekannt, dass er einen wahnsinnigen Zeitplan hatte, um das Album zu machen, darunter auch ein paar Mal, als er mehr als nur ein bisschen aufgeregt im Studio auftauchte. Auch der Aufnahmezyklus verlief nicht so reibungslos wie erwartet, da Studio-Mastermind Phil Spector im Studio eine Waffe abfeuerte und kurz vor Fertigstellung des Albums mit den Bändern das Studio verließ.

Obwohl der Sound, mit dem Lennon seinen Helden in Songs wie „Slippin and Slidin“ Tribut zollt, lustig genug ist, passt die übertriebene Wall of Sound-Produktion nicht zu seiner ramponierten Stimme, da sie eines der wenigen Dinge in der Mischung ist, die ihm eine gewisse Schärfe verleihen zurück in die Musik. Da Lennon als der experimentelle Geist der Beatles bekannt war, ist es erschütternd zu sehen, wie er als fertiges Produkt etwas liefert, das so blitzsauber klingt.

Bruce Springsteen hat schon immer von der anhaltenden Kraft der E Street Band gelebt. Während seiner Zeit als Rockstar hat sich „The Boss“ darauf verlassen, dass jede einzelne Saite seiner Band seine Kraft auf der Bühne ist, und blieb dabei stets bescheiden, indem er seine Armee von Musikern einsetzte, um jede Show zum Schweben zu bringen. Als er jedoch beschloss, die heikelste Musik seiner Karriere zu schreiben, legte Springsteen sie in Nebraska offener als sonst dar.

Die meisten Takes dieses Albums wurden ohne die Hilfe eines Mitglieds von E Street erstellt und stammen aus der Zeit, als Springsteen in seinem Wohnhaus Lieder vorführte, wobei er normalerweise nur eine Akustikgitarre und seine Stimme verwendete. Auch wenn die miserable Produktion eine gewisse Ästhetik mit sich bringt, ist sie stellenweise schwer zu hören, da Springsteens Heulen das Mikrofon übersteuert und die Gitarre bei einigen Liedern verstimmt ist.

Dies ist jedoch einer der wenigen Momente, in denen der minderwertige Produktionswert das Erlebnis steigert, wobei jede Rohmischung die perfekte Kulisse für gebrochene Helden darstellt, die auf der falschen Seite des Gesetzes stehen oder wie „Johnny 99“ die härteren emotionalen Probleme ihres Lebens durchleben müssen ' von 'Highway Patrolman'. Springsteen hatte viel im Kopf, als er „Nebraska“ machte, und wenn man sich die Platte in diesem Format anhört, können Fans seinem gebrochenen Geist am nächsten kommen.

Ende der 90er Jahre war Rush gefährlich nahe daran, völlig aus der Öffentlichkeit zu verschwinden. Nachdem Neil Peart zwei tragische Pässe hintereinander erlitten hatte, war der Weg zurück vom Abgrund nie einfach, denn normalerweise unternahm er ihn täglich mit seinen Bandkollegen, bevor er sich zu Vapor Trails formierte. Die gesamte Platte liest sich wie eine Erlösungsgeschichte … und klingt dabei wie Nägel auf einer Tafel.

Seit die Platte in den frühen 2000er-Jahren herauskam, fielen Vapor Trails den Lautstärkekriegen zum Opfer und lieferten einige der ohrenbetäubendsten Produktionen auf einem Rush-Album. Obwohl in der gesamten Trackliste großartige Kompositionen zu finden sind, ist die Anfangslautstärke zu wuchtig, um sie zu übersehen, da jedes Instrument das Mikrofon übersteuert und einem die Schläfen zum Pochen bringt, sobald man mit der Aufnahme fertig ist.

Auch Rush schien die mangelhafte Produktion genauso zu sehen und machte sogar den Remix der Platte von 2013 zur endgültigen Version, während die ursprüngliche Loudness-Wars-Version so gut wie aus der Geschichte gestrichen wurde. Der moderne Rush-Fan hat vielleicht jetzt die Möglichkeit, die Songs wie beabsichtigt zu hören, aber diejenigen, die von Anfang an dabei waren, hatten das Pech, beim ersten Hören blutende Ohren zu haben.

Keiner der Klassiker von The Velvet Underground kann von sich behaupten, die beste Produktion zu haben. Bereits bei ihrem gewaltigen Debütalbum standen einige der größten Musikkanäle der Welt Schlange, um Lou Reeds seltsames Kunstprojekt als Antithese zu dem zu verurteilen, was Rock'n'Roll sein sollte. Wenn sie dachten, dass es einem Song wie „Heroin“ an gutem Mix mangelt, sind White Light/White Heat ein Mittelfinger in diese Richtung.

Als die Band mit der Arbeit an ihrem zweiten Album begann, bestand ihre Logik darin, jedes Instrument in die roten Zahlen zu schicken, was zu einem der bissigsten Hörerlebnisse der späten 60er Jahre führte. Obwohl es mehr als nur ein paar Momente auf der Platte gibt, in denen The Velvets wie bei „Sister Ray“ ihre gewaltige Lärmmauer ausnutzen, stellt dies dennoch eine seltsame Eingewöhnungsphase dar, insbesondere wenn man versucht, sich die Kurzgeschichte anzuhören, in der sie spielt in der Mitte des Liedes „The Gift“.

Auch wenn die Ästhetik vielleicht etwas entwaffnend war, hörten die Wellen des Punkrocks zu, wobei David Bowie das Album liebte und den Titelsong jahrelang in seine Ziggy Stardust-Setlist aufnahm. Obwohl The Velvet Underground Musik gemacht hat, die die Grenzen des Rock'n'Roll überschreiten soll, ist dies die Art von Album, die man sich nur anhören sollte, wenn man in der schlechtesten Stimmung ist und etwas Härteres nötig ist.

Jedes Beatles-Album hat davon profitiert, dass es einige der besten Produktionen der Branche gab. Obwohl jedes Bandmitglied ein Meister seines jeweiligen Instruments war, brauchte es George Martin, um ihre Songs zu Klassikern zu machen, von seinen meisterhaften Arrangementfähigkeiten bis hin zu seiner Art, all ihre seltsamen Ideen zu interpretieren. Nachdem sich die geschmähten Sessions für „The White Album“ aufgelöst hatten, sorgte ihre Art, wieder auf die Beine zu kommen, für ein Durcheinander bei der Aufnahme.

Nachdem man das Projekt zur Hälfte abgebrochen hatte, um stattdessen an Abbey Road zu arbeiten, lag „Let It Be“ jahrelang auf dem Regal, bevor es von Phil Spector aufpoliert wurde, der einige der unnötigsten Arrangement-Entscheidungen hinzufügte. Obwohl das Album dem Hörer während der Sessions das Gefühl gibt, eine Fliege an der Wand zu sein, war die übertriebene Produktion hinter etwas wie „The Long and Winding Road“ viel zu viel und hat Paul McCartney sogar so sehr verärgert, dass er das Album noch einmal remixte.

Während sich einige Songs wie Spectors idealisierte Version der Fab Four anfühlen, wirken andere Songs immer noch bestenfalls unausgegoren, wie zum Beispiel, dass Spector Teile von „I Me Mine“ aufgrund der kurzen Laufzeit noch einmal abspielen muss oder seltsame Zwischenspiel-Tracks enthält, in denen die Band spielt plagen sich mit Staus herum, die nirgendwohin geführt haben. Als Spector die ersten Kassetten bekam, war es vielleicht ein Chaos, aber seine Art, das Produkt zu retten, war so, als würde man etwas, das eigentlich roh sein sollte, mit einem glänzenden Glanz versehen.

Auf dem Höhepunkt ihres Ruhms in den späten 80ern konnten Metallica höchstwahrscheinlich mit jedem zusammenarbeiten. Nachdem sie zu einer der größten Arena-Rockbands geworden waren, ohne auch nur ein Video zu ihrem Namen zu haben, wollte die Band aus Master of Puppets Kapital schlagen, als Bassist Cliff Burton bei einem Busunfall auf tragische Weise ums Leben kam. Obwohl jedes Bandmitglied auf seine eigene Art und Weise mit Trauer umging, bestand die Art und Weise, sich äußerlich zu äußern, darin, nicht einmal anzuerkennen, dass es überhaupt einen neuen Mann in der Band gab.

Auch wenn die Band Jason Newsted als ihren neuen Mann für die Low-End-Band rekrutierte, bestand ihre Art, ihn auf seinem ersten Album zu schikanieren, darin, seinen Auftritt so weit unten im Mix zu platzieren, dass niemand ihn erkennen konnte. Es ist so gut wie unmöglich, auf diesem Album einen Tieftonbereich zu finden, da die einzige anständige Härte von den unteren Saiten von James Hetfields Gitarre kommt.

Obwohl die Band an ihrer Entscheidung festhält, keinen Bass in den Arrangements zu verwenden, reichen die Darbietungen immer noch aus, um die Haare in den Wahnsinn zu treiben, wie etwa die seltsame Taktart bei „Blackened“ oder das, was einem Hit am nächsten kommt, bei dem Song „One“. . Andererseits: Wenn James Hetfield behauptet, dass sie Hilfe brauchten, war vielleicht die Umstellung auf eine sauberere Produktion bei „The Black Album“ notwendig.